La adicción a los videojuegos

Ya hace varios años que se escucha hablar sobre la adicción a los videojuegos como un trastorno mental pero no quiero centrarme en esta generalización, sino en la adicción a un videojuego en particular.

Muchos hemos estado en la situación en que tenemos que conectarnos a X juego, ni que sean 5 minutos para hacer la misión del día o te contabilice la conexión diaria… Y aquí es donde quiero entrar.

Hay una gran cantidad de videojuegos en los que se han ido implementando recompensas por completar misiones, cumplir unos objectivos o simplemente conectarte diariamente. Esta clase de recompensas crean una adicción, no al juego en si mismo, sino a la necesidad de recibir cada una de ellas.

Desde mi punto de vista, algunos desarrolladores se han visto obligados a implementar este tipo de misiones, ya que el juego no tiene mucho más que aportar y quieren conservar el público que tienen. Es decir, sin esta nueva motivación, seguramente, perdería muchísimos usuarios. Tampoco digo que sea el caso de todos ellos, ya que aunque el juego siga teniendo su público, te interesa que tengan una cierta adicción a él, y lo consuman con más frecuencia. No obstante, esto, crea una especie de ansiedad que es perjudicial y no deja disfrutar del videojuego como debería.

Un ejemplo podría ser League of Legends, que repito, es una opinión personal, pero desde mi perspectiva, creo que todo el sistema de misiones (con fecha de caducidad) y recompensas es muy adictivo, y que para ser un juego que por supuesto ha ido cambiando a lo largo de los años, pero en rasgos generales siempre es lo mismo, es de los juegos con más usuarios activos actualmente. Aunque hay que decir, que no pienso que en este caso los usuarios solamente estén por las misiones, pero sí que ayuda a tenerlos jugando más habitualmente que sin ellas.

Para acabar, comentar que, personalmente prefiero un juego sin misiones (o al menos, que estas no te obliguen a completarlas en un determinado tiempo), para poder disfrutar sin ningún tipo de presión la historia de este, sus mecánicas o cualquier característica que me atraiga para seguir consumiéndolo.

Los videojuegos están para disfrutarlos, si lo pasas mal, déjalo.

Els primers anys de la dècada dels 80: la dècada dels 8 bits

Aquesta època va ser l’edat d’or dels videojocs. El públic usuari de videojocs va augmentar en aquesta etapa. Es trobaven màquines recreatives per tot arreu, ja sigui en bars, restaurants, hotels…

Atari va ser la marca que va tenir més èxit als Estats Units. Les majoria de famílies tenien una consola Atari 2600, creada el 1977, connectada al televisor. Alguns programadors americans van passar de ser uns simples aficionats a ser milionaris. La tecnologia anava avançant i cada cop aquesta indústria anava cobrant més importància. Walt Disney Pictures, 20th Century Fox i fins i tot McDonald’s es van associar amb la companyia creada per Nolan Bushnell, Atari.     

Atari

Van néixer diferents empreses molt imporants com Activision, Imagic, Sanrio. Activision és una de les empreses actuals més importants amb la saga de Call of Duty, World of Warcraft i Crash Bandicoot. Aquesta empresa va crear Pitfall!, el primer joc de plataformes. És un joc d’scroll horitzontal, en el qual el protagonista ha d’esquivar diferents obstacles per tal d’arribar a la meta. Aquest joc es va presentar el 1982 per a la consola Atari 2600.

L’any 1979 va sorgir el color en els videojocs i gràcies a aquest fet van aparèixer diferents títols: Galaxian (1979), The War of th Worlds (1979), Armor Attack (1980), Missile Comand (1980), Tempest(1981), Space Duel (1982)…

A principis de la dècada del 1980, Estats Units i Japó estaven molt avançats respecte als altres llocs en referència als videojocs. A Europa, per exemple, costava molt més distribuir els videojocs que principalment es creaven a Estats Units i Japó. Per aquesta, raó Atari va crear una delegació a Irlanda per distribuir millor els seus productes a Europa. El primer videojoc en prespectiva isomètrica 3D va ser Knight Lore, creat per la companyia britànica Ultimate al 1983.

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Cambios en la indústria del videojuego

Como era de esperar, en este año vamos a ver muchos cambios, los cuales eran esperados. En unos cuantos meses veremos el nacimiento de la Xbox o PS que coinciden con el lanzamiento de arquitecturas muy potentes, pero este no es el tema principal de este post.

Nos vamos a centrar más bien en las nuevas técnicas que quieren introducir en los videojuegos, lo que harán que la experiencia personal y las vivencias que recordemos sean un recuerdo más placentero y no un dolor de muelas.

Uno de los cambios que vamos a experimentar es el diseño dinámico de los juegos, es decir, gracias a que contamos con sistemas predictivos y adaptativos que miden una inmensa cantidad de variables psicológicas, sociológicas y biométricas, se pueden modificar parámetros del juego que ayudan a que la experiencia sea más personal y ajustada a cada tipo de persona.

Un videojuego más adaptado genera un usuario más satisfecho. El objetivo de un diseñador de videojuegos es generar una experiencia memorable y, gracias a la evidencia empírico-científica, conocemos que una experiencia más personalizada y única genera mayor aceptación y compromiso en los usuarios.

Héctor Puente, profesor universitario, doctor en videojuegos.

Ejemplos de lo anterior puede ser:

• Ajustar el nivel de dificultad del juego dependiendo de la persona que juegue, haciéndola a medida del jugador.
• Cortar los diálogos de los personajes si el jugador los salta constantemente.
• Cambiar los colores del juego si detecta que el jugador los confunde constantemente (caso del daltonismo).
• y una infinidad de ejemplos más.

Otro cambio muy importante y que también era muy necesario es el Raytracing, que es una técnica de renderizado que consigue crear imágenes cercanas a la realidad. Aunque esta técnica se puede encontrar, de forma muy limitada, en algunos videojuegos actuales, es muy probable que en las nuevas videoconsolas que van a salir se implemente en todos los juegos. Esto será posible, ya que hay noticias de que llevarán unas GPUs aceleradas por este hardware.

Y por último pero no menos importante, es el cloud gaming. Esto nos permitirá tener almacenado en un servidor privado toda la información del juego y sin la necesidad de descargarlo. Lo que por un lado nos permitirá disfrutar de los juegos en todos nuestros dispositivos sin importar donde nos encontremos, y por otro lado ya no nos tendremos que preocupar por los problemas de almacenamiento de nuestros dispositivos.

Como podéis comprobar, a lo largo de este año se van a producir grandes cambios en la industria del videojuego. Hace un par de años era impensable que algún día esto pudiera llegar a pasar, y por suerte para nosotros, los vamos a vivir.

Los videojuegos como medio de desconexión

Hoy en día, la cantidad de videojuegos que hay es inmensa al igual que la cantidad de categorías en las que los podemos clasificar.

Dependiendo de nuestros gustos podemos decantarnos más por los videojuegos de acción como puede ser un shooter del estilo de Call of Duty, donde un despiste puede acabar con tu muerte y la victoria para el equipo contrario. También hay otras formas de obtener esa adrenalina sin la necesidad de que alguien acabe muerto, como puede ser el caso de los juegos de conducción con velocidades de vértigo que es el caso de la saga Forza Horizon.

Forza Horizon 4

Sin embargo, en esta publicación nos vamos a centraren los juegos de relax. Es muy común llegar a casa y estar tan muerto de cansancio que no tienes ni ganas de encender la consola. Es en ese momento donde entran en acción estos juegos, con los que puedes pasar un momento de relax y descargar todo el estrés acumulado durante todo el día por culpa del tráfico constante, un día duro en el trabajo, 15 días de cuarentena encerrado en casa… todas las opciones son aceptables para poder disfrutar de un momentos de desconexión.

Un ejemplo de este tipo de juegos es el recién sacado de fábrica Animal Crossing: New Horizons. Empezamos en una isla desierta, donde en un principio solo hay una vegetación salvaje. Con el paso del tiempo haremos que esta vegetación salvaje desaparezca y en su lugar tengamos una civilización con sus tiendas y sus casas. Hay que destacar que eso de comprar las cosas en este juego no funciona, la forma de avanzar consiste en ir recogiendo materiales y hacer con ellos todos los utensilios que nos hagan falta.

Animal Crossing: New Horizons

Otro juego que también entra en esta categoría es Rime, un juego que ya desde un principio nos damos cuenta de un factor muy importante: la tranquilidad es el elemento principal del juego. El juego empieza a desarrollarse en una isla desierta, donde la banda sonora son las olas que llegan a la playa, partiendo de esto ya nos damos cuenta de que la tranquilidad nos rodea. Otro punto importante de este juego es su mecánica, que se basa en resolver puzzles, que muchas veces consiste en jugar con las perspectivas, lo cual acaba haciendo que sea un juego muy agradable de jugar. Los colores usados en este juego también ayudan a transmitir esa tranquilidad que nos rodea.

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Rime

Como conclusión final, parece que las islas son un lugar perfecto para relajarse jajaja. Son muchos los videojuegos que entran en esta categoría y sinceramente estos son juegos favoritos y es que no es necesario pasar un estrés enorme para disfrutar de los videojuegos. También es muy importante fijarse de vez en cuando en el mundo que nos rodea y no en la historia principal.

LA CRISI DEL VIDEOJOC DE 1983

La crisis de 1983, coneguda també com la defallida d’Atari va ser el final de la 2a generació de videojocs i consoles. Les causes són vàries, però podríem dir que van ser 2 factors principals els que van desencadenar aquesta crisis.

El primer motiu va ser la sobresaturació del mercat amb una quantitat molt àmplia de videoconsoles. És cert 2 van ser les de més rellevància i van ser les absolutes reines dels seus mercats, L’Atari 2600 i la Sega SG 1000 però la llista de consoles al mercat en el moment de la crisis és aquesta:  Atari 2600, Atari 5200, Astrocade Bally, ColecoVision, Coleco Gemini (clon de la Atari 2600), Emerson Arcadia 2001, Fairchild Channel F System II, Magnavox Odyssey, Mattel Intellivision, Mattel Intellivision II, Sears Tele-Games systems, TandyvisioN (clon de la Intellvision por Radio Shack) y la Vectrex.

L’error per part d’Atari va ser catastròfic ja que  no va patentar cap dels seus productes ni disseny dels seus jocs o plataforma. Per aquest motiu, la majoria de les consoles esmentades a la llista anterior eren plagis amb un ampli catàleg de jocs de dubtosa qualitat.

D’aquí extraiem el segon gran problema, l’enorme i interminable catàleg de videojocs de molt baixa qualitat. En aquella època era molt difícil obtenir informació sobre els jocs que sortien al mercat, ja que no hi havia pràcticament mitjans que en parlessin i els analitzessin. Tot això va fer que el consumidor perdés la confiança en els videojocs,  ja que era molt difícil distingir en un bon joc i la seva còpia de baixa qualitat.

El consumidor va deixar de comprar aquests videojocs i deixar d’utilitzar les consoles amb l’assiduïtat que ho havia fet fins llavors. Per aquest motiu els registres de vendes van baixar considerablement, i el detonant final va ser el joc E.T en l’intent desesperat d’Atari per salvar el mercat, que com he esmentat abans va ser un desastre absolut.

Amb aquesta crisi, que va durar dos anys ben bons, es va finalitzar la segona generació de consoles. I la tercera va entrar en vigor amb la gran irrupció del mercat asiàtic en la guerra de les videoconsoles, de la que en parlaré properament si aquest post rep l’amor dels meus companys de classe.

Goat Simulator i les mecàniques còmiques

Corria l’any 2014, l’època daurada dels Let’s Plays a YouTube. Del no res va aparèixer Goat Simulator, un joc indie desenvolupat per Coffee Stain Studios i publicat per Microsoft. Va ser creat inicialment com un acudit en una competició interna a l’estudi. Es va presentar com una combinació entre QWOP i Tony Hawk Pro-Skater, amb els mals controls del primer i els objectius del segon. La idea del joc era anar arreu del mapa completant objectius, però enlloc d’un skater el protagonista és una cabra. Com que només es comptava amb un mes de temps per acabar el joc, va sortir malament. Els models i les animacions dels personatges són crus i bàsics. El mapa sembla inacabat, amb alguns troços massa buits o amb els sistemes de col·lisió mal fets. És increiblement fàcil quedar-se encallat en una paret. Però el més important del joc són les mecàniques.

Es pot anar en bicicleta

Les habilitats bàsiques de la cabra són correr, saltar, llepar per enganxar-se a coses, fer coces o cops de cap i bramar per espantar la gent. Es poden desbloquejar habilitats especials com un jetpack o invocar una pluja de cabres, a part d’altres skins com el d’una jirafa o un robot. El joc recompensa activitats com arruinar festes, saltar en llits elàstics o fer explotar una pila de bombones de butà de manera que el personatge toqui el sostre del mapa. El que intento deixar clar és que no és un d’aquests «serious games». És un joc agressivament estúpid, amb música repetitiva i res a fer. No sóc capaç de jugar més de mitja hora seguida a aquest joc, però tot i així va ser un èxit comercial. I els culpables d’això van ser els letsplayers.

Goat Simulator, com molts altres (I am bread, Skate 3, Surgeon Simulator i més recentment Deeeer Simulator), es gaudeix més veient com algú hi juga que no pas jugant-hi tu mateix. És per això que va rebre milions de visites a YouTube, la gent preferia veure videos de personalitats d’Internet fent comèdia a partir d’aquest tipus de jocs. Potser controlar una cabra i fer que faci cops de cap al surtidor d’una benzinera fins que rebenti no és molt divertit, però veure com algú és capaç de grabar-ho, afegir comentaris graciosos i editar-ho per ressaltar els millors moments és fascinant.

Captura d’un vídeo de elrubiusOMG (DJ CABRA, PARQUE DE ATRACCIONES Y TORTUGAS | Goat Simulator DLC)

Això ens porta a la pregunta del milió de dòlars: Goat Simulator és un bon joc? És a dir, ha aportat al món de l’entreteniment molt més que altres jocs amb mecàniques més polides i discutiblement millors. Podem parlar de les mecàniques com parlem dels gràfics? Podem excusar unes mecàniques poc agradables si milloren l’experiència?

La meva resposta és no. Goat Simulator no és un bon joc, sinó un fenòmen cultural. És com The Room, la considerada millor-pitjor pel·lícula de la història. La pel·lícula és projectada periòdicament en petits cinemes d’Estats Units i la sala s’omple de gent preparada per ridiculitzat-la. Tot i ser categoritzada com a drama, cada frase del diàleg és rebuda amb una riallada per com de mal escrita i mal actuada és. El director, productor, guionista i protagonista Tommy Wiseau és una estrella del cinema de la mateixa manera que ho són Neil Breen, Uwe Boll i en certa manera M. Night Shyamalan. A ningú li agrada The Room, però tothom sembla gaudir-la.

Un dels moments més memorables de The Room: el personatge de Tommy Wiseau crida «You are tearing me apart, Lisa!».

Per tant, Goat Simulator i els altres jocs de l’estil no són bons jocs per les seves males mecàniques, però gràcies a aquestes seran recordats com alguns dels millors-pitjors jocs de la història.

Nintendo Switch está Infravalorada

Hay muchos tipos de jugadores (o gamers) y es fácil diferenciarlos observando o simplemente preguntando en cual de las plataformas juega, ya sea en una o en varias. Estan los jugadores de PC, los seguidores de Sony, refiriendose actualmente a Play Station 4, jugadores de XBox o los fanáticos de Nintendo (los jugadores únicamente de móvil creo que no tienen el derecho a ser nombrados siquiera gamers). Mi idea con esta entrada al blog es realzar la grandeza de la última revolución de las consolas, protagonizada por Nintendo Switch (sin el Lite que se han sacado de la manga hace relativamente poco) y su empresa creadora.

Grandes Juegos de Nintendo Swicth

The Legend of Zelda: Breath of the Wild

Empezaré por la parte que considero menos importante, pero la que realmente se encarga de que la consola se venda y avanze: sus videojuegos.

Si hablamos de los grandes títulos de Switch creo que es absolutamente necesario empezar por «The Legend of Zelda: Breath of the Wild», considerado no solo el mejor Zelda, sino el mejor juego de 2017, uno de los mejores de su década y, en general, de la historia de los videojuegos. «Breath of the Wild» es, en esencia, un JRPG de mundo abierto inacabable y super interesante. Aparte de este anterior, Zelda también cuenta con las entregas «The Legend of Zelda: Link’s Awakening» e «Hyrule Warriors».

Como segunda gran opción tenemos una saga a la que se puede nombrar como una de las más grandes: Mario (y todas sus variantes). En Switch esta saga nos ha dejado como opción principal a «Super Mario Odyssey», poniendo como segundo plato y como postre (y solo por estar un poco más alejadas de la temática original) a «Super Smash Bros» y a «Luigi’s Mansion 3», respectivamente. He mencionado estas tres que son, como bien se sabe, las más grandes, pero hay otras joyas como «Mario + Rabbids Kingdom Battle», «Mario Kart 8 Deluxe» o «Super Mario Party», y es que no es exagerar decir que todo lo que lleve la marca Mario en su nombre es signo de calidad.

Super Mario Odyssey

Como tercera gran opción se encuentra el aclamedo Pokemon, aunque creo que no será necesario hablar demasiado de este cuando ya todos conocen el melocotonazo que pegó en 2018 con «Let’s Go» y el que pegó el año pasado y que ha seguido pegando en este con «Espada y Escudo».

Aparte de estas sagas también hay otros grandes juegos como «Fire Emblem: Three Houses», «Xenoblade Chronicles 2» o «Splatoon 2». Todo esto sin hablar de los relanzamientos de antiguos juegos en esta consola.

¿Porqué Switch es tan Buena?

Dejando de lado la gran cantidad de juegos vende-consolas que tiene la consola tratada en este blog, y hablando propiamente de la máquina, ¿porqué opino que es tan buena?

Para empezar, y por tal de quitarme de encima el peor contra que se le puede sacar a la consola (y uno de los motivos por los que la infravaloran), es necesario hablar de su falta de calidad en la pantalla. Esta llega nada más que a 720pHD. Esta resolución es menor a la debida (bastante menor a moviles más baratos que la consola), y además esta injustificada más que por su reducción en el precio de venta. Aún así, la crítica recibida por esto es inmerecida.

Ahora que me he quitado de encima ese detalle, vamos al tema en cuestión. Para empezar, decir que tenemos una consola híbrida, pudiendo pasar de portátil a sobremesa en lo que se tarda en poner Switch en su base y encender la pantalla. Esto parece obvio si hablamos de Switch, pero es un hecho revolucionario en el mundillo, pues no se había visto nunca y Nintendo consigue hacerlo de forma perfecta a primera de cambio (obviando el psudointento que se hizo con Wii U). Este hecho provoca que tangamos a la vez una consola portátil con la capacidad de una de sobremesa, y una de sobremesa con la versatilidad que da la portabilidad.

Nintendo Switch

Como segundo punto tenemos la genialidad de sus mandos. Hablamos de «sus» porque no tiene un único mando, sinó que son dos que tienen la capacidad de comportarse como mandos individuales y separados o como uno único indivisible. Dicha genialidad complemente increiblemente bien el hecho de que la consola sea híbrida, pues cuando está desencajada de la base los mandos se pueden acoplar a ella y cuando esta encajada, se acoplan entre ellos con el accesorio adecuado.

Mandos Nintendo Switch

Pero esto no acaba aquí, pues además a los de Nintendo se les ocurrió el incorporar sensores de movimiento en cada uno de los mandos, tal como lo habían hecho con Wii. Este hecho abre un mundo de posibilidades enorme. El mayor ejemplo de la versatilidad de los mandos nos lo brinda el ya nombrado «Super Mario Odyssey». El juego se puede jugar de todas las maneras posibles: se puede jugar igual de bien con la consola tanto encajada como sin encajar, se puede jugar con los mandos acoplados y sin acoplar, tanto unidos entre ellos como separados (dando esta opción el mayor abanico de possibilidades dentro del juego), e incluso se puede jugar en cooperativo junto a otro jugador teniendo cada uno uno de los mandos. Este es uno de los hechos por los que la consola es tan buena.

Para acabar aquí, decir que Switch trabaja con unos cartuchos muy similares a los de la mítica Nintendo DS (¡¡¡cartuchos!!! ¡por dios! ¿acaso podrían haber tenido una mejor idea?) que guardan en ellos juegos de una memoria máxima apriximada de 6Gb, provocando que su memoria interna sea de tan solo 32Gb, pues no se precisa de ella para jugar a los juegos ya que funcionan con tan solo insertarlos en la consola, sin necesidad de molestas instalaciones previas a jugar. Y si por algún casual eres de esas personas que lo tienen todo digital (muy mal, estamos hablando de Switch, no de PS4) con una MicroSD de 128Gb, en vez de un disco duro de 1Tb, será más que de sobra durante muchisimo tiempo

¿Son los videojuegos Arte?

¿Son los videojuegos Arte o un simple medio de entretenimiento? Esta es una pregunta que me he hecho muchas veces y aun a día de hoy sigo teniendo mis dudas. Sin embargo, en este articulo trataré no solo mis opiniones personales sino también los pros y contras de este medio.

Si queremos llegar a la conclusión final de si los videojuegos son Arte o no, primero deberemos identificar que es Arte y que son los videojuegos.

¿Que es Arte?

Arte es una una palabra muy sencilla con gran cantidad de implicaciones, pero mas allá de la subjetividad debemos hacernos una pregunta ¿existe una definición objetiva de Arte? Según la Real Academia Española (RAE) la definición de Arte es la siguiente:

Actividad en la que el hombre recrea, con una finalidad estética, un aspecto de la realidad o un sentimiento en formas bellas valiéndose de la materia, la imagen o el sonido.

Definición de Arte según la RAE

También he preguntado a algunos compañeros artistas que es lo que ellos consideran que es Arte. Las respuestas han sido varias, pero no muy distantes en significado.

Arte es el medio por el cual el ser humano transmite un mensaje de manera intencional

Definición de Arte según Yasser

Gracias a esta definición proporcionada por Yasser, que estudia bellas artes en la universidad de Salamanca, podemos ver ya la primera bifurcación de caminos en cuanto a la definición ¿Cual es la finalidad del arte?

Según la RAE la finalidad del arte es meramente estética e intenta recrear la realidad o un sentimiento, mientras que en la definición de Yasser la finalidad es el mensaje que transmite y no tanto aquello que se representa de manera literal. Ademas, en la definición de la RAE se especifica que debe ser de una forma bella mientras que Yasser no lo especifica.

En mi opinión Arte es todo aquello que nace a partir de la mente humana y que genera un esfuerzo estético con el objetivo de representar ya sea la realidad, los sentimientos o una idea.

Aunque tanto mi definición de Arte como la de Yasser tienen un problema claro: dentro de esas definiciones se puede encasillar cualquier tipo de creación humana. Sin embargo, Yasser añade un matiz muy importante a esta definición, «El motivo».

Hay varios teóricos que dicen que Arte es el reflejo de la sociedad y por lo tanto es muy importante al analizar la historia, el observar el Arte que se hacia en el momento.

Yasser sobre el «Motivo» del Arte

De aquí podemos sacar una información muy valiosa, el Arte es algo que esta en constante cambio. Puede que las vertientes se llamen igual (pintura, escultura, música…), pero jamas serán iguales en 2 generaciones o culturas. De aquí podemos sacar que la sociedad es quien decide que es Arte y que no.

Pero por otro lado aquí os dejo una serie de audios de mi amigo Diocles que rompen los esquemas anteriormente establecidos.

Diocles sobre el Arte

La reflexión de Diocles, quien ya ha terminado la carrera de bellas artes, es desde mi punto de vista genial, pues no es nada objetiva, sino que es su propia definición de Arte en la cual podemos encontrar matices que no hemos visto en ninguna definición anterior. Según Diocles el concepto de Arte, a parte de social, es algo individualista. Es Arte lo que «YO» considero que es Arte, no todo lo que un artista crea es Arte.

Según el Youtuber y crítico DayoScript arte es aquello que cumple los siguientes requisitos:

Arte:
– Creación humana
– No necesaria para la supervivencia
– Expresa algo

DayosScript sobre el arte

Dayo incluye un dato no antes mencionado que se suele dar por supuesto pero que Diocles menciona indirectamente cuando habla de Velazquez.
El arte no es necesario para la supervivencia, Velazquez no es considerado un artista por el hecho de que no lo hacia por que quisiera, sino mas bien por que lo necesitaba para sobrevivir.

Diocles sobre los «Artistas»

Para terminar una reflexión personal basada en lo dicho anteriormente. Si el Arte es algo subjetivo y que cambia con la sociedad ¿como puede ser que se encasille el Arte y se limite simplemente a 7 disciplinas? Es mas, me animo a preguntaros ¿donde esta el limite? ¿Cuales elementos podemos considerar como Arte y cuales no?

¿Que es un videojuego?

Tratar la definición de videojuego es mucho mas sencillo ya que esta no esta sujeta a la personalidad de cada individuo, algo que si sucede con el Arte. Sin embargo si que podemos encontrar casos de extremismo dentro del mundillo los cuales deciden que es un videojuego lo es en función de la calidad, originalidad, motivo y origen del mismo. Esta situación me recuerda mucho a la que se vive en el mundo de la cocina, ya que por ejemplo en la Italia mas extremista solo se considera que existe 2 tipos de pizza. Otro ejemplo distinto seria la paella, ya que los valencianos consideran que cualquier paella hecha fuera de Valencia es «arroz con cosas».

La definición del videojuego la podemos tratar de las siguientes 2 formas: según si se incluye la plataforma como un medio necesario para la existencia del videojuego o según si se trata de elemento independiente el cual puede existir sin necesidad de nada mas. Aquí podemos encontrar probablemente el primer bache para conseguir juntar Arte y videojuegos, ja que una de las principales trabas que se suele poner al videojuego para ser considerado arte es el hecho de que depende de otros medios para existir, pero esto no tiene porque ser necesariamente así. Aquí os presento las 2 definiciones:

Un videojuego es un juego electrónico en el que una o más personas interactúan, por medio de un periférico, con un dispositivo que muestra imágenes de vídeo. Este dispositivo electrónico, conocido genéricamente como «Plataforma», puede ser un ordenador, una máquina arcade, una videoconsola o un dispositivo portátil, como por ejemplo un teléfono móvil.

Definición de «videojuego» por Wikipedia.

Aquí se trata a la plataforma como parte esencial del videojuego, como si este no pudiese existir sin ella.

Un videojuego es una aplicación interactiva orientada al entretenimiento.

Definición de «videojuego» por Definicion.de

Aquí se trata al videojuego como un elemento independiente que no requiere de nada. Según esta definición el videojuego y todo lo que ello implica (el programa, la música, el apartado gráfico) son un elemento independiente y no están limitados a una plataforma.

¿Que os han parecido estas definiciones? ¿Consideráis que el videojuego esta atado a la plataforma y por lo tanto esta destinado a morir como Arte, o consideráis que es un concepto completamente independiente?

El videojuego como medio artistico

Ya llegamos a la recta final. Ahora que conocemos las definiciones de arte y videojuego, con todo lo que implican, podemos empezar a tratar el tema que nos ocupa… ¿Son Arte los videojuegos?

Bueno, para poder empezar a hacernos una idea, vamos a cribar los distintos argumentos de los detractores y de los partidarios.

Argumentos

Como principales detractores del videojuego como medio artístico tenemos a Diocles y a Roger Ebert, quien era un crítico de cine que en el 2012 se animó a hacer una dura crítica al videojuego afirmando que este jamás seria Arte. Como principales partidarios tenemos a Yasser y a DayoScript.

Los principales argumentos en contra presentados por Ebert son:
– Los videojuegos no enriquecen nuestras vidas (en el caso de Diocles esto no es siempre así)
– Los videojuegos dependen de un sistema de victoria y derrota
– En los videojuegos el jugador tiene el control.

Con esto ya podemos presentar los contra-argumentos de los partidarios. Vayamos por puntos:

«Los videojuegos no enriquecen nuestras vidas»

Este es el argumento mas fácil de rebatir, pero antes de ello escuchemos que tiene que decir Diocles al respecto.

Diocles sobre el argumento anterior

Al escuchar el argumento no puedo evitar pensar en todo aquello que alguna vez he aprendido de videojuegos tales como «The last of us»,»Ori and the blind forest» o «Spec Ops: The line». Puede ser que no todos los videojuegos enseñen algo, pero debería bastar con que algunos, unos pocos, lo hagan para que este argumento se desmonte por si solo.

«Los videojuegos dependen de la victoria y la derrota para existir»

Antes que nada, la defensa del argumento por parte de Diocles.

Exceptuando la mayoría de modos online de los videojuegos, esto no tiene porque ser así. La victoria y la derrota son complementos del videojuego y no un objetivo, es la forma de interactuar y motivar al jugador a continuar. El objetivo no es ganar, ganar y perder son medios para transmitir un mensaje con una finalidad clara. DayoScript menciona esto en su vídeo
«Los videojuegos son arte».

Aquí es cuando comparamos a los videojuegos con el ajedrez y el futbol y todo el mundo lamenta que la ficción interactiva sea un híbrido cuyo segundo lexema es «juego»

DayoScript sobre el argumento anterior

No debemos comparar a los videojuegos con los juegos, ya que poco o nada tienen que ver los unos con los otros. En los juegos o deportes el objetivo es la victoria, por que es el limite claro cuando se enfrentan dos entidades (equipos o personas), pero en un videojuego el objetivo de la victoria o la derrota no son ellos en si, sino un fin mayor.

«En los videojuegos el jugador tiene el control»

Esta claro que el videojuego es el medio que mas libertad le da al jugador, pero el limite existe, el autor sigue teniendo el control absoluto de la situación por que esta programado y como jugador vas a acabar haciendo precisamente lo que el autor quiere que hagas. Podríamos hablar sobre la jugabilidad emergente, pero al fin y al cabo son lo mismo. Dayo menciona esto es su vídeo.

Por mucho que GTA sea un sandbox y me deje a mi como jugador libre en su mundo, jamas podre comprar una propiedad, entrar en ciertos edificios o salir del mapa, por que simplemente así lo han programado en Rockstar.

DayoScript sobre la libertad del jugador

Conclusiones finales

Para las conclusiones finales las he dividido entre mis conclusiones y las de Diocles con el objetivo de que ambos bandos puedan sentirse identificados en esta discusión. El objetivo de este artículo no es repudiar a unos o a otros sino hacernos pensar.

Conclusiones finales de Diocles

Mi conclusión final dista mucho de la de Diocles, pero antes de compartirla quería saber que opinaba la gente de mi entorno que no se dedica a los videojuegos. La encuesta fue un aplastante: 53 a favor y 21 en contra. Pero volviendo rápidamente a la definición de arte de Yasser, «El concepto de arte va con las modas», y puedo asegurar que nadie mayor de 40 años votó a favor, sino que todos votaron en contra.

Si los videojuegos son arte o no es algo que aun esta por ver. En el fondo de mi corazón se que son arte y que el potencial es mayor que el de cualquier otro medio, pero no puedo evitar pensar en que desde mi punto de vista a día de hoy existen mas videojuegos comerciales que artísticos, y esto es algo que no podemos dejar pasar. En nuestras manos como futuros desarrolladores está la respuesta a esta pregunta.

Y vosotros ¿que opinais? ¿Son los videojuegos Arte o no?

Links a las referencias

https://www.vidaextra.com/cine/el-critico-de-cine-roger-ebert-desprecia-el-potencial-artistico-de-los-videojuegos

https://es.wikipedia.org/wiki/Videojuego

https://dle.rae.es/arte

https://definicion.de/arte/

Video de DayoScript

Agradecimientos

Gracias sobretodo a Diocles, Yasser y Lluis (me ha ayudado con los errores de ortografía), y también gracias a las mas de 100 personas que han participado en las encuestas.

Aquí os dejo un link al instagram de Diocles por si os interesa lo que el hace
https://www.instagram.com/diocles.lm/?hl=es

Com el confinament també pot ser l'ambientació per a un videojoc com és el cas de «Little Inferno»

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La història, igual que nosaltres en l’actualitat, està ambientada en un confinament: nosaltres pel COVID-19 amenaçant a tot el món i el joc en una ciutat anomenada Burnington on sempre neva i glaça. A diferencia de nosaltres que trobem la salvació i entreteniment en el paper higènic, la proposta del joc és la «Little Inferno Entertainment Fireplace», un producte de «Tomorrow Coorporation» el qual és una llar de foc on cremes els obectes més esbojarrats que la ment humana pot arribar a idear.

La mecànica principal del joc és creamar objectes creats també per «Tomorrow Coorporation», i aixì aconseguir diners amb els quals pots comprar més productes, tenint aquests sempre una descripció amb un molt bon toc d’humor.

Sent aixì cremar objectes la mecànica del joc, l’objectiu és cremar conjuntament els que tinguin algun tipus de relació entre si per tal de fer «combos». Aquests objectes es poden aconseguir a partir d’uns catalegs, el quals n’amplies la col·lecció fent més «combos».

També el joc t’ajuda a avançar en la historia a través de cartes que reps, sent de tres personatges diferents: l’home del temps, la Nancy, que és la cap de Tomorrow Coorporation i la teva veïna del pis de sobre teu, la qual et fa regals i t’ajuda a comprendre millor el funcionament del joc (tot això també es pot cremar).

També m’agradaria fer menció de l’atrevit estil que sol utilitzar «Tomorrow Corporation», l’empresa de veritat, ja que en l’actualitat el que es busca és realisme o escenaris d’un nivell artistic increible, i ells han creat la seva marca amb aquests dibuixos que es podrien considerar fins i tot infantils.

Per finalitzar us deixo el link del trailer del joc en angles perque li doneu un cop d’ull: https://www.youtube.com/watch?v=-0TniR3Ghxc

Depresió i videojocs

Els videojocs sempre han tingut l’objectiu principal d’entreteniment. Però moltes vegades aquests han sigut considerats una forma d’art, de fugir de la realitat i un lloc on l’autor i jugador poden compartir els seus pensaments i emocions.

Com a persona que desde petit ha patit casos d’anxietat i depresió, sempre m’ha interessat veure aquestes dues parts tan comunes però a vegades ignorades en la vida reflectades en l’estil grafic, la música o fins hi tot en la propia historia d’una obra. Per tant, en aquesta entrada de blog parlare sobre dos jocs que m’han semblat un exemple perfecte de la depressió i anxietat com a plot.

El primer joc és Celeste. Un joc de plataformes amb una corba de dificultat molt elevada on la protagonista «Madeline», una Dona que pateix problemes d’ansietat reflectides en la principal antagonista «Badeline», ha decidit escalar la muntanya «Celeste». Tot el trajecte és una metafora de que tothom pot aconseguir el seu objectiu i que el fracàs és una opció per millorar.

Capitol 7: Celeste.

D’aquest joc vull parlar en concret del capitol 5, «Mirror Temple». El capitol comença despres d’un atac d’ansietat de Madeline superat pel seu amic Theo, el qual es perd dins del temple. El capitol es divideix en dues parts: La primera és la part del temple i la segona es adins del mirall on Theo esta atrapat. Aquest capitol, al contrari que els altres , no hi ha un cami concret. El temple és un laberint on els colors brillants dels capitols anteriors s’ha substituit per foscor. La música del nivell «Quiet and falling» és, en la meva opinió una de les millors peces atmosfèriques que he escoltat en molt de temps. Aquesta, juntament amb l’atmosfera del nivell, reflecteix perfectament la sensació d’estar sol, perdut i amb la por de que alguna cosa dolenta esta aprop. La segona part del capitol la música esta invertida i la atmosfera de solitud canvia a una zona de perill, amb monstres i ulls, observant als protagonistes.

Chapter 5: 1a part

Chapter 5: segona part

El segon joc és «Gris», joc que em vaig passar en una tarda i el concepte de depresió és més subtil i amagat en els colors i música del joc. Al contrari que Celeste, Gris és extremadament senzill, és impossible morir en el joc. Fins hi tot els monstres que et persegueixen no et poden fer mal(Tot esta en el teu cap. O, en aquest cas, el cap de la protagonista).

La historia va d’una cantant que ha perdut la veu(O les ganes de cantar) i, amb ella, el color en el món.

Definiria aquest joc no com un videojoc en si, peró com un quadre. On cada zona és una peça. Cada vegada que aconsegueixes un color el món al voltant es torna més artistic, més viu. Fins a la zona final on tots els colors creen un palau en el cel (En la meva opinió, la ultima zona del joc és una de les millors arees creades artisticament).

Encara que al principi la manca de colors pot donar a suposar que el joc no es veura be, fa un treball increible a l’hora d’aprofitar les poques opcions que té. On fins hi tot les zones monocromátiques estan plenes de vida.